Le lacrime dell'angelo: la "Pietà" di Antonello da Messina

Su un ampio sfondo di paesaggio, un angelo in lacrime, sorregge, tenendo tra le mani un lembo del sudario, il corpo di Cristo appena deposto dalla croce. Ed espone al nostro sguardo  tutti segni della sua sofferenza: il volto livido, la bocca semiaperta, le braccia che ricadono pesanti, il sangue che esce dalla ferita al costato. 

L'angelo, oppresso dallo sforzo e da un dolore indicibile, ha le guance rigate di lacrime. 

Un quadro di Antonello da Messina (1430 ca-1479), ora al Museo del Prado di Madrid, uno dei dipinti più belli e intensi sul tema della Pietà. 

Siamo probabilmente intorno al 1476-78 e, in quegli anni Antonello, dopo aver a lungo viaggiato in Italia, è rientrato a Messina. Ha superato da un po’ la quarantina, è un artista affermato ed è a capo una bottega, anzi di una piccola impresa familiare, in cui ha coinvolto anche il figlio. Grazie ai suoi collaboratori riesce a star dietro a tutte le commissioni che riceve. 

Finalmente non ha più bisogno di spostarsi per trovare lavoro. Messina è un centro commerciale importante: lì arrivano merci da tutti i porti del Mediterraneo e da lì partono imbarcazioni che possono portare i suoi quadri dappertutto. 

Non sappiamo chi gli richieda il  dipinto con la Pietà, se sia un privato, oppure una chiesa o un convento, e nemmeno da dove gli arrivi la commissione. 

È un periodo, comunque, in cui Antonello torna spesso sul tema della Passione di Cristo: è un soggetto che lo coinvolge e che tratta con una autentica devozione. La stessa devozione che lo spingerà, un paio d'anni dopo, poco prima della morte, a disporre nel suo testamento di essere sepolto con l'abito francescano. 

Ridare verità e forza a un’immagine tante volte rappresentata non è facile e Antonello si impegna con tutta la sua capacità di artista. E usa ogni possibilità di quello stile che lo ha  fatto riconoscere come caposcuola e  in cui ha saputo unire, in una sintesi perfetta, la definizione dello spazio della pittura italiana, al realismo minuto e alla cura dei dettagli dell'arte fiamminga. 

Riduce la scena all’essenziale e fa cadere tutta la luce sul corpo di Cristo in primo piano. Accostando il suo volto emaciato al viso più roseo dell’angelo, riesce a far convergere lo sguardo sulle lacrime che spiccano purissime sul suo viso. Lacrime così  evidenti da accentuare il pathos della scena e da instaurare con chi guarda un rapporto di commossa partecipazione. 

La composizione con due sole figure, che campeggiano contro un cielo chiarissimo, amplifica il senso doloroso della rappresentazione.

Nello sfondo, unisce simboli  e elementi reali: in basso a destra, i tronchi secchi e i teschi sparsi a terra alludono alla morte, mentre il verde vivace dell'erba e delle foglie degli alberi  prefigura la Resurrezione. 

In alto, invece,  raffigura una veduta di Messina, con un tratto delle mura, la fiancata del Duomo e- sfumato fino a essere appena distinguibile in lontananza- il mare dello stretto: un paesaggio familiare per gli spettatori dell'epoca che rende ancora più vicina e toccante la visione dell’episodio sacro.

Iconografia nordica e influenze di dipinti di analogo soggetto di Giovanni Bellini si mescolano nel tentativo di restituire al meglio le sue sensazioni di uomo di fede di fronte al dramma del sacrificio divino. 
Fino ad arrivare a una rappresentazione di un'emozione così profonda da diventare, per chi crede e per chi non crede, un invito alla riflessione e alla meditazione.